Alex es un adolescente aficionado al monopatín que mata accidentalmente a un guardia de seguridad en los alrededores de Paranoid Park, un parque público conflictivo de Portland. Sin embargo, Alex decide silenciar el accidente a la espera de no ser inculpado por la tragedia.
Hipnótico ejercicio de estilo a cargo de un Gus Van Sant en estado de gracia, que consigue atrapar la verdad de una voz y una mirada adolescente, a través de una elaborada estrategia formal y de un control absoluto del lenguaje. El director logra plasmar un bello e inquietante retrato del atormentado protagonista a través de un acertado sentido minimalista de la narración, embarcando al espectador en un viaje sin retorno.
PARANOID PARK · USA / Francia · 2007 · 85 min · Dirección: Gus Van Sant
Este próximo martes 29 de Diciembre, a las 12h, la Concejalía de Cultura y el Cineclub FAS os invitan a participar en “Zinez jositako ipuinak - Los cuentos se visten de cine”, una actividad nueva en Euskadi, interactiva y con niños, que tratará, animada por un doble propósito, de dotar a este proyecto de un sentido más amplio que el del mero entretenimiento.
Por un lado, pretende descubrir a los más pequeños el poder que tienen las imágenes y el cine para transmitir historias. Despertar su curiosidad por las películas, por la magia que se oculta tras ellas y fomentar una afición y un amor por el cine que sirva de sedimento y de referente en todo su desarrollo posterior.
Por otro lado, pretende aproximar la obra de Segundo de Chomón destacado director pionero del cine mudo, frecuentemente comparado con Méliès y considerado uno de los grandes hombres del cine de su tiempo a los niños, través de los cuentos populares.
De esta forma, se han recogido 4 filmes basados en clásicos de la literatura árabe y europea de principios del siglo XX. Se trata de: “El gato con botas”, “Aladino o la lámpara maravillosa”, “Alí Babá y los cuarenta ladrones” y “Pulgarcito” y tienen como nexo de unión la figura de Segundo de Chomón, el director y responsable de la fotografía y de los efectos especiales de todos ellos.
Para hacerlo más asequible y cercano, se ha optado por narrar los relatos en directo con la ayuda de un cuentacuentos y sonorizarlos añadiendo música especialmente compuesta para ellos; de esta forma se consigue integrar imágenes, narración y música para dar una unidad argumental y significativa a la sesión.
Exotismo, princesas, misterio, humo, música, ogros y lámparas maravillosas para conseguir que los más pequeños se acerquen por primera vez al cine mudo.
29/12/2009 · España · 1903-1909 · 90 min · Dirección: Segundo de Chomón
Sebastián (Hugo Silva), es un delincuente de poca monta recién salido de prisión que decide buscar empleo en una pequeña empresa de Galicia; no por vocación sino porque algo le dice que el dueño de la empresa, Regueira (Carmelo Gómez), está involucrado en negocios turbios, y Sebastián desea sacar provecho. Regueira comprueba muy rápidamente que el joven tiene agallas y decide convertirlo en su ayudante…
“Agallas” es una película muy cinéfila, muy consciente de tradiciones y modelos, un sólido y competente ejercicio de género, que coloca a una bestia parda y a una piltrafa del arroyo en un espejismo de relación paternofilial a medio camino entre Mamet y una revisión sui géneris de “El día de los tramposos”.
AGALLAS · España · 2009 · 99 min · Dirección: Andrés Luque y Samuel Martín Mateos · Guión: Javier Echaniz y Juan Antonio Gil Bengoa
Hou Hsiao Hsien desarrolla en esta película una adaptación del clásico mediometraje de Albert Lamorisse, El Globo Rojo, ganador de la Palma de Oro en 1956. El director de Taiwán, que cuenta con títulos como Three Times, Café Lumière o Millennium Mambo y rueda por primera vez fuera de Asía, relata la historia de una madre separada, interpretada por Juliette Binoche, que trabaja de narradora en un espectáculo de marionetas. Con poco tiempo para dedicar a su hijo Simón, decide contratar a Song Fang, una estudiante taiwanesa, para que haga de niñera y acompañe a Simón a sus lecciones de piano. Pronto entre ellos dos se establecerá un mundo de complicidades, donde un misterioso globo rojo les acompañará por todo París.
LE VOYAGE DU BALLON ROUGE · Francia · 2007 · 115 min · Dirección: Hsiao-hsien Hou
Jacquot Demy es un niño de doce años. Su padre tiene su propio garaje y su madre es peluquera. La familia vive feliz y les gusta cantar y ver películas. Jacquot está fascinado por el cine, así que compra una cámara para realizar su primer filme amateur.
Jacquot de Nantes es un tributo de un amante a otro, un proyecto que empezó siendo una colaboración y se transformó en un homenaje, y que finalmente significó una manera de decir adiós. Película biográfica, a caballo entre el documental y la ficción en la Agnes Varda, viuda y compañera de Jacques Demy durante más de 30 años, realiza un recorrido por la infancia y la adolescencia del añorado cineasta francés y su vocación por el cine y el musical.
JACQUOT DE NANTES · Francia · 1991 · 90 min · Dirección: Agnès Varda
Agnès Varda nos regala una notable muestra de lo que puede ofrecer la Nouvelle Vague. Nos relata en tiempo real la angustia vital de una cantante parisina que está esperando los resultados de un examen médico para saber si tiene cáncer; durante la espera deambula por París, encontrándose con diferentes personajes a través de los cuales asistimos al derrumbe de la protagonista.
Por medio de travellings prodigiosos a través de los ojos de la protagonista, Varda nos pasea por Montparnase, con un París convulso por la guerra argelina como telón de fondo, un París que es un actor más. Prodigiosa, la actriz Corinne Marchand realiza un trabajo brillante, encarnando a esta mujer al borde de del abismo.
CLÉO DE 5 À 7 · Francia - Italia · 1962 · 90 min · Dirección: Agnès Varda
Por segundo año consecutivo, el Cineclub FAS colabora con ZINEBI en las actividades previas al Festival. El FAS proyectará una sesión con los cortometrajes premiados en los últimos 10 años por el Cineclub en el festival ZINEBI.
Presentará la sesión la cortometrajista Begoña Vicario. Nacida en Caracas, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, facultad en la que actualmente trabaja como profesora de diversas asignaturas, entre las que destaca la de animación gráfica. Ha publicado numerosos artículos sobre el cine de animación, y un libro sobre el cine de animación experimental en el País Vasco, tema sobre el que desarrolló su tesis doctoral.
Proyecciones: Los últimos 10 Premios FAS
Haragia · Begoña Vicario · Euskadi · 1999 · 12 min. The Minister for Exams · Paul Trewartha · Gran Bretaña · 2000 · 2 min. Zyklon Portrait · Elida Schogt · Canadá · 2001 · 13 min. The Rise and Fall of the Legendary Anglobilly Feverson · Rosto · Holanda · 2002 · 10 min. Greyscale · Amin Dora · Líbano · 2003 · 6 min. La derniere minute · Nicolas Salis · Francia · 2004 · 11 min. The Fan & the Flower · Bill Plympton · EE.UU. · 2005 · 7 min. For(r)est in the Dessert · Luiso Berdejo · Euskadi · 2006 · 12 min. Las horas muertas · Haritz Zubillaga · Euskadi · 2007 · 4 min. Les paradis perdus · Helier Cisterne · Francia · 2008 · 30 min.
Concierto: Matt Harding.
Matt Harding es una persona polifacética. Ha sido profesor de instituto en Nueva York, propietario de un club de jazz en Shanghai y también misionero en Filipinas. Pero este nativo de Utah (USA) es, ante todo, músico. Su música está influenciada por el folk, blues, jazz, country y refleja sus viajes por Asia, Europa, Sudamérica y Africa. Su particular y ecléctico estilo del género “americana” puede definirse como un cruce contemporáneo entre J.J. Cale y James Taylor. Las dotes compositivas e interpretativas de Harding han sido alabadas por artistas consagrados de la talla de Taj Mahal y John Lee Hooker.
Matt vive un estilo de vida nómada, dando conciertos en USA, Europa, Asia y Sudamérica. Además de su carrera en solitario, es miembro del trío internacional “Elkano Browning Cream”.
“Hello Africa” (2008) es su trabajo más reciente y se realizó entre Donostia y Provo, Utah (USA), con el mismo equipo que grabó el anterior disco. Es un álbum ecléctico y colorido que celebra una experiencia vital de subidas y bajadas con ciertas dosis de ironía.
Un año más el Cineclub proyecta una película en colaboración con el Grupo Feminista Simone de Beauvoir, dentro de la semana de actividades que este colectivo organiza anualmente, y que este año comienza el próximo 5 de Noviembre.
En esta ocasión el FAS proyectará “Las vidas posibles” el martes 10 de Noviembre a las 20:00 h. en el Cine Capitol.
La historia transcurre casi en su totalidad en los imponentes paisajes gélidos del sur argentino, escenarios que connotan calma e inmutabilidad. Hasta allí viajaba siempre Luciano por viajes de negocios pero, en una de esas ocasiones, el regreso a su hogar nunca se produjo. Su mujer, ante esta repentina desaparición, viaja al sur a buscarlo, para acabar involucrada sentimentalmente con un doble de aquél, ya sin importarle demasiado quién es quién ni quién es ella misma. El segundo largometraje de Sandra Gugliotta, puro primer plano y casi sin palabras, desafía a los espectadores a descifrar los mecanismos psicológicos de una mujer que se resiste a enfrentarse un presente que la desconcierta.
Las vidas posibles · Argentina · 2008 · 80 min · Dirección: Sandra Gugliotta
El próximo 3 de Noviembre el FAS celebrará su sesión número 2000, con la proyección de una copia restaurada de “Tartufo” y la presencia de Luciano Berriatua, restaurador de la obra de Murnau.
La adaptación del Tartufo de Molière filmada por Murnau sigue la fórmula del cine dentro de un cine: el ama de llaves de un anciano logra convencerlo de dejarle toda su fortuna y despojar a su nieto; este último se hace pasar por proyeccionista itinerante, con lo que logra mostrar a su abuelo precisamente el filme Tartufo.
Filme de cámara, íntimo, con pocos personajes y, sin duda, narrativamente menos complejo que sus obras más conocidas, constituye sin embargo una notable muestra de su talento como director de actores y su genio en el uso del primer plano. Director y guionista logran traducir admirablemente el humor en alejandrinos de Molière a imágenes, gags visuales, humor físico y otros recursos.
HERR TARTÜFF · Alemania · 1925 · 74 min · Dirección: F. W. Murnau
Luciano Berriatua (Madrid, 1949) es historiador y miembro de la Asociación Española de Historiadores de Cine; ha publicado numerosos artículos en España, Francia, Alemania e Italia, junto a libros como “Los Proverbios Chinos de F.W. Murnau” y “Nosferatu. Un film erótico-ocultista-espiritista- metafísico”. Asimismo trabaja como colaborador de la Filmoteca Española, dirigiendo restauraciones de cine mudo español y alemán. Ha trabajado en pequeños papeles de actor y como montador, director de fotografía o jefe de producción en numerosos filmes y cortometrajes. Ha realizado varios cortos, entre los cuales destaca “La Dama del Bosque”, y películas como “El Buscón” (1979) y “El Lado Oscuro” (2002).
Filmografía: Die Sprache der Schatten (2007) · Der letzte Mann - Das Making of (2003) · El lado oscuro (2002) · Los 5 Faust de F.W. Murnau (2002) · La dama del bosque (1989) · El buscón (1979) · Duma el silencioso (CM / 1972) · El alquimista (CM / 1971).
Después de realizar brillantes estudios en Francia y de una prolongada ausencia de quince años, Adama, un joven politécnico, regresa precipitadamente a Senegal, su país, cuando recibe un telegrama avisándole de que su abuela está muy mal. Su breve estancia hará resurgir un drama familiar que parecía olvidado.
Éste es el último film del realizador Mama Kéïta nacido en Dakar en 1956 de madre vietnamita y padre guineano. Kéïta, realizó estudios de Derecho en la Universidad de la Sorbona, antes de ser guionista. A continuación optó por la dirección. Ha dirigido numerosos cortometrajes, entre los que destacaremos Une Étoile filante, retrato de su amigo y colega, el desaparecido cineasta David Achkar.
L'ABSENCE · Senegal/Francia · 2009 · 82 min · Dirección: Mama Kéïta
Como en otras ocasiones, el Cineclub FAS apoya y colabora con Intermón-Oxfam, organización que forma parte de un grupo de ONGs que bajo el nombre de África Imprescindible intenta visibilizar y acercar a la población en general una realidad diferente de África. En esta ocasión abordará la temática de la fuga de cerebros a través de la película La ausencia.
El realizador francés Olivier Assayas nos ofrece en su último film, un registro totalmente diferente al que nos tenía acostumbrados. Más intimista y reflexiva, esta historia de reencuentros supone un giro al estilo ágil, moderno y multicultural de su películas anteriores.
Al morir su madre, tres hermanos muy distintos se reúnen en su antigua residencia familiar para hacerse cargo de su herencia, una excepcional colección de arte del siglo XIX. Pero tras este fresco aparentemente banal, bajo esta “pequeña” historia familiar, se ocultan otras, más sutiles y reveladoras que nos ofrecen la posibilidad de reflexionar sobre el tiempo, los objetos y los lugares de una forma sencilla y exquisita.
L'HEURE D'ÉTÉ · Francia · 2008 · 103 min · Dirección: Olivier Assayas
Estrenada en Zinemira, la nueva sección que el Festival de Cine de San Sebastián dedica a las producciones vascas, llegará a las salas el 2 de octubre, tras un preestreno en Bilbao el día 1. La máquina de pintar nubes, rodada entre junio y julio de 2008 en Euskadi, en Bilbao y alrededores, es la ópera prima de Aitor Mazo y Patxo Telleria, autores también del guión, que en el año 2004 resultó ganador de la primera edición del concurso de largometrajes TVE / ALMA de VERSIÓN ESPAÑOLA. Este film narra el viaje iniciático de un adolescente que descubre la pasión por la pintura en el contexto de una barriada obrera de Bilbao durante los últimos años de la dictadura franquista. Es una historia que estalla en mil historias, un retrato de muchos retratos. Es el fresco mural de unas cuantas familias obreras que, en un ambiente de miseria económica y social, pelean por arrancarle a la vida un retazo de dignidad y belleza. Forman el elenco actoral, entre otros, Aitor Mazo, Gracia Olayo, Bingen Elortza, Lander Otaola, Santi Ugalde, Montse Mostaza, Asier Oruesagasti, Loreto Mauleón, Chema Muñoz, Ane Gabarain, Teresa Calo, Ramón Barea y Ramón Agirre.
Arnaud Desplechin, cineasta de culto en Francia ofrece en su octavo largometraje un drama coral sobre una familia con el que se consolida como uno de los directores más carismáticos e interesantes del panorama cinematográfico contemporáneo. A pesar de la dureza de la temática, donde una familia tiene que enfrentarse a una rara enfermedad genética que ha terminado con la vida de uno de sus miembros y podría acabar con otro si no encuentran un donante compatible, el filme no renuncia a condimentar con humor algunos de los momentos más terribles. El reparto incluye magníficas interpretaciones de sus protagonistas, entre los que destacan Mathieu Amalric, Jean-Paul Roussillon, Chiara Mastroianni y Catherine Deneuve.
UN CONTE DE NOËL · Francia · 2008 · 150 min · Dirección: Arnaud Desplechin
No podemos quejarnos, nuestro último día en Donostia (nos volvemos esta noche) nos ha dejado un agradable sabor de boca. Ya a la salida de "Mother & Child" que clausuraba la Sección Oficial, se respiraba una mezcla de cansancio y cierto principio de melancolía, porque a partir de ese momento, todo sabíamos que la ilusión de los días por y para ver cine tocaban a su fin. Así que se agradece que de las tres pelis que tenía para este viernes, sobre todo dos, hayan sido tan de mi agrado. Hablo de "The Imaginarium of Dr. Parnassus" de Terry Gilliam y de "Vengeance" de Johnnie To.
Aunque son muy distintas, algo que sin duda poseen en común es que son muy divertidas. Incluso "Vengeance" con toda su violencia (para nada extrema si se compara con "Mother" por ejemplo) tiene momentos de una ocurrencia francamente delirante (recuerdo esa escena en la que consiguen mantener a tiros una bicicleta en marcha). A destacar la fusión de culturas (se trata de una coproducción franco-china) en la que destaca la inquietante mirada del protagonista Johnny Halliday y que siempre resulta enriquecedora. Otro ejemplo de reparto mixto lo hemos visto en "Yuki & Nina" (aunque ambas películas no se puedan comparar) pero en este caso Francia-Japón.
Del último trabajo, probablemente inferior a "Tideland" aunque mucho más asequible, de Terry Gilliam se podría decir que lo tiene todo para gustar al gran público. Una imaginación desbordante, un reparto atractivo (Johnny Deep, Collin Farrel, Jude Law y el desaparecido Heath Ledger) y esa potencia estética y visual que siempre anticipamos en su películas. Una propuesta que no defrauda en absoluto y, sin querer entrar en profundidades, subrayaría ese discurso insinuado de que «son las historias que contamos las que hacen que el mundo exista». Para mí la película del día.
Por último, de la tercera, "Mother & Child" de Rodrigo Garcia, me resulta difícil extraer una conclusión sin volverla a ver. Y es que esta narración, formada por las historias de tres mujeres muy diferentes a las que une (en un sentido argumental) su pasada o futura maternidad, posee una carga emocional importante y una apreciable habilidad para trabajar los papeles femeninos, de suerte que si te atrapa (mi caso), resulta complicado mantener una mirada objetiva. La dejo para que la juzguéis vosotros mismos. En cualquier caso, una de las propuestas más recomendables de la Sección Oficial.
Para terminar, a modo de resumen de esta semana de Festival, diría que la Sección Oficial no ha estado a la altura, inferior incluso a la del año pasado y que sin embargo hemos podido disfrutar de un Zabaltegi Perlas sensacional, superior al de la edición anterior. Quizás esto no dice demasiado a favor del Festival, refleja en todo caso cierta habilidad para seleccionar lo mejor de otros Certámenes, pero al menos nos ha ofrecido la posibilidad de disfrutar de títulos como "Yuki & Nina", "The White Ribbon", "The Imaginarium of Dr. Parnassus", "The Limits of Control", "Precious" y "Taking Woodstock" entre otros.
Ahora si que tendremos que esperar otro año, pero de momento, mañana conoceremos el palmarés.
Este jueves, las películas que hemos podido ver en la Sección Oficial han vuelto a ser bastante flojas y el día lo han salvado (algo recurrente en esta edición) las propuestas de Zabaltegi: "London River" de Rachid Bouchareb, y sobre todo, "When you’re strange" de Tom DiCillo.
La primera, a pesar de que representa a la perfección el estereotipo de película de Festival (choque cultural con final feliz, prejuicios religiosos y raciales que separan...) está bien resuelta, la actriz protagonista Brenda Blethyn está estupenda en su papel y logra mantener un buen equilibrio dramático evitando el melodrama, puro y duro, habitual en muchas películas de este «género». Al igual que "Five minutes of Heaven" que vimos ayer, "London River" me parece un peli honrada y muy digna que se deja ver con facilidad.
El documental sobre "The Doors" de Tom DiCillo ha sido para mi la propuesta del día. No solo porque brinda la posibilidad de contemplar imágenes reales nunca antes proyectadas de los miembros de esta mítica banda, sino porque ofrece una visión de Jim Morrison mucho más cercana al hombre, que a la estrella que su leyenda a terminado por forjar. Sin duda una peli que no deben perderse ninguno de los amantes de este grupo y aquellos nostálgicos de toda una generación cultural y musical.
Finalmente, el film "Los Condenados" de Isaki Lacuesta, una de las pelis españolas a concurso en la que tenía mayores expectativas depositadas. Me ha gustado, al menos determinados aspectos de ella, pero no ha logrado convencerme del todo. Es una lástima porque la historia que plantea, el reencuentro de dos ex guerrilleros argentinos en una excavación ilegal, es interesante e invita a debates y reflexiones posteriores. Sin embargo, y a pesar del excelente elenco argentino que la compone (destacan sobre todo el protagonista Daniel Fanego y Barbara Lennie) uno tiene la sensación de que no profundiza, de que no acaba de ahondar en los distintas ideas que propone a lo largo de su dilato metraje. No se lo que ocurrirá el sábado, pero de momento, "La mujer sin piano" sigue siendo mi primera elección entre las películas españolas candidatas a la Concha de Oro.
Continuaremos mañana viernes con una de las ofertas (junto a las del domingo y el martes) más interesante del Festival. Esperemos que no nos defraude.
Continuamos con la crónica del pasado día 20 para comentaros unas cuantas pelis que se nos han quedado en el tintero. De momento, a falta de dos días para posibles sorpresas, sigo con mis favoritas “Yuki & Nina” y “The White Ribbon”. Retomaremos si os parece donde lo dejamos, el mediodía del lunes 21 con el video sobre “City of life and Death” y “Mother” que ya publicamos. De ese mismo día nos restan dos films: “Get Low” del estadounidense Aaron Schneider y “No one knows about persian cats” del iraní Bahman Ghobadi. “Get Low” nos habla de la leyenda de Felix Bush, mítico personaje de la cultura norteamericana, cuya vida y muerte se nos muestran siguiendo la narrativa cinematográfica más tradicional y consiguiendo así, un pequeño y entretenido “cuento” que se deja ver con facilidad. Buena factura y un estupendo protagonista interpretado por Robert Duvall. “No one knows about persian cats”, en las antípodas tanto geográfica como cinematográficamente de la anterior, nos invita a recorrer con un estilo cuasi-documental, el Teherán contemporáneo de la mano de diferentes grupos de jóvenes músicos, cuyas melodías, acompañan las imágenes de la ciudad que se nos muestra. Con ellos compartimos no solo inquietudes y tragedias, si no la situación real de una comunidad tan desconocida. Film interesante sobre todo por los contrastes. A modo de ejemplo la protagonista; una joven vocalista de rock-indie con “gafapasta” y un permanente pañuelo cubriéndole el cabello. El martes día 22 fue un día que esperábamos todos, no solo por lo das dos ruedas de prensa que ya habréis podido ver sino, y sobre todo, por las pelis que las precedían. Principalmente “The limits of control” de Jarmusch y el documental de Winterbotton “The Shock Doctrine”. Ambas, propuestas muy diferentes e inscritas además, en ámbitos muy distintos de la realidad. El de Jarmusch es un trabajo muy personal, como todos los suyos, (en el Cineclub es ya un habitual) en el que apuesta por la extremada simplicidad y depuración de estilo y que constituye, en sus propias palabras: “ un invitación a la imaginación y a la conciencia”. De esta forma, tras la apariencia de un thriller convencional se esconde toda un reflexión intelectual y metafísica. Winterbottom por el contrario, en un ejercicio retrospectivo y sistemático complicado, (sobre todo por la capacidad sintética que supone), nos ofrece las claves y antecedentes más relevantes de nuestra situación económica actual. Todo un canto a la importancia de la historia como mecanismo liberador del estado de shock, responsable de la manipulación de nuestras conciencias y de nuestros comportamientos. La ovación en la sala, en la que él mismo se encontraba, fue memorable. Y yo creo que no era exagerada. Para terminar, ese mismo día se coló en nuestra programación “Hadewijch” del francés Bruno Dumont y el choque fue considerable. Me resultaría muy difícil recomendar esta película, y no porque no resulte de una potencia visual y emocional importante, ni porque no considere el ejercicio actoral complejo, a tenor del texto y la temática, sino porque el argumento de esta propuesta no resulta demasiado popular (unos cuantos abandonaron la sala tras la primera media hora). Y es que Hadewijch nos habla de los estrechos límites entre el amor a Dios y el fanatismo terrorista, destilando por cada fotograma y encuadre, un misticismo y un fervor poco habitual en nuestro cine. Esta historia de una novicia que sale al encuentro del mundo y descubre su razón de ser no deja indiferente. Hace falta una buena dosis de talento para mantenernos pegado al asiento y al mismo tiempo, tan lejos de allí. O eso es lo que a mí me provocó al menos. Lo dejaremos aquí por el momento. Seguimos con más pelis en los próximos días.
A pesar de que el viernes no empezó demasiado bien, un tiempo de perros, un Donostia invadido por fans enfebrecidas ( lo de menos era la peli, ell@s querían ver a Brad Pitt) y una película, El Baile de la Victoria de Trueba que le da a uno ganas de replanteárselo todo, el fin de semana ha cerrado con un balance mucho más que aceptable. Además de Yuki & Nina (comentada un poco en el video) que hasta el momento se presenta como una de nuestras favoritas (luego añadiremos otro título más), hemos podido disfrutar de la estupenda Precious de Lee Daniels, la pequeña pero interesante Norteado (uno de esos Films que se presenta en la sección de En construcción y se acaba materializando al año siguiente) y una más, discutida y discutible eso sí, Le Refuge de François Ozon. Eso solo el sábado. Porque el domingo el nivel alcanzó una intensidad mayor, climática incluso. Vamos a dejar para el final el título del día (que no es otro que el que faltaba añadir a nuestros favoritos más arriba) porque su calidad, interés, su realización, todo en definitiva, merecería ser comentado en un capítulo a parte. La mañana comenzó con la última propuesta de Ang Lee, la amable y divertida Taking Woodstock (cierto que el ritmo no se mantiene demasiado bien, pero se le perdona), para, en unas horas, hacer que nuestra sonrisa se tornará mueca con This is Love de Matthias Glasner. El tema (prostitución infantil y pederastia)es interesante y el tratamiento puede resultar incluso arriesgado, por el resultado no satisface por completo, demasiados elementos que no acaban de encajar. Por la tarde, Making plans for Lena (C. Honoré) de la que no diré demasiado. Sin ser el horror de la de Trueba, decepciona. Decepciona mucho para los que como yo aun trataban de darle otra oportunidad al trabajo de este director (La Belle personne el año pasado me irritó bastante, sobre todo por lo que podía haber sido). Y por fin, llegamos a la película del dia “The White Ribbon” de M. Haneke. Cruda, impactante, de una crueldad contenida que lo impregna todo. Crueldad, a la que contribuye de manera especial su portentosa fotografía y los rostros de sus personajes tan bien elegidos. Con un final abierto que no hace sino reforzar la desazón de lo que se plantea, esta película es sin duda un “must be seen”, una referencia obligatoria para todo los que disfrutan de buen cine.
Beatriz Álvarez
URUMEATIK KRONIKA
Una vez más y van 57, este año 2009 nos ha permitido saltar del uno al otro lado del Urumea con la ilusión de descubrir nuevas joyas cinematográficas (luego la realidad nos devuelve a la tierra y a la lluvia). Siempre es curioso acudir el primer fin de semana, en la que se pone a prueba la capacidad de atracción del zinemaldia, y como casi siempre, el domingo anterior a la noche ya están agotadas el 85% de las entradas (sobre todo Oficial y Zabaltegi). Lo que nos da pie a echarle imaginación y poder rebuscar en otros apartados del festival (a veces desconocidos) que nos permita darnos un gustazo de empaparnos en CINE. Así pues como ciudadanos de a pie, revisamos el zurrón para ordenarnos madrugadas, trasnochadas y pintxos (con txakoli ¡claro!), a parte de los cafés al gusto. Esto es lo que nos ha deparado: tres oficiales, dos zabaltegis, una contraola (francesa) y una latina al horizonte ¡No parece mal botín! Viajaremos a Iran (¡qué viaje!), China, Francia (2 y ½), Argentina (1/2), Alemania, y a Madrid. Así fue (por cronología de visión)
• Wo de tang (Estaciones al sol) Zabaltegi-Nuevos realizadores (Zhang Huillin-China): Es su segundo largo y aporta muy poco (cinematográficamente) en esta visión de un verano para unos adolescentes en Beijing. Muy descriptiva, parece que va a arrancar y así termina, se queda pues en la intención. Me sorprendió la claridad de imagen (video) y la ciudad vacía (alucinante para Beijing, por la búsqueda de exteriores)
• Keshtzar haye sepid (Los prados blancos) Oficial (Mohammad Rasoulof- Irán): Difícil definir este magnífico (depende) trabajo, con una composición de planos cuidadísima y un guión que va calando profundamente. Cine para soñar (en sus dos acepciones: si te atrapa, acompañas al director en su propuesta, y si no, la “cabezada” de la digestión). No es una película fácil, calmada y surrealista, pero la magia de sus planos que te cautivan, y la denuncia (poética) de la dictadura iraní, me parecen sorprendentes y suficientes argumentos para darle un voto de confianza a su director. Al estilo oriental son como cuentos y tradiciones, pero con una narración si no novedosa, poco habitual. Es una película que parece no pasar nada, pero con gran intriga y contenido debido a su simbología. Es la típica sin medias tintas o la odias o la amas. Genial.
• Trouble every day (Problema diario) Contraola-francesa (Claire Denis-Francia): Impresionante trabajo de Denis, presentado en Cannes en 2001, inmersa en el género-mundo fantástico, con turbulentas y eróticas imágenes. Su directora quiere ir más allá de los cuerpos y crea un guión que va cargando de tensión en el avance del film. Con poca tregua para el espectador, que se ve envuelto en una denuncia farmacéutica (la excusa), para entrar en las relaciones personales, en las que la atracción acaba en destrucción, tomando el ejemplo de las mantis religiosas. La película siendo cruel, no llega al “gore” (habrá otras opiniones). Sensacional.
• 77 Doronship Zabaltegi-Nuevos realizadores (Pablo Agüero- Argentina /Francia): Atrevida realización que se queda en intención. Si no fuera por la personalidad de los dos protagonistas (Francisco Morón y Anne Chrétien -novel-) y sus interpretaciones, no quedaría nada. Tratando sobre el escapismo, a veces comedia y otros drama. En fin, se nota mucho la fisura entre la parte rodada en Argentina y la rodada en París. Lo intenta encajar, pero falla. ¡Ah! Dura 77 minutos ¿lo pillas? Como 7 veces 7, y repite y repite…
• This is love (Esto es amor) Oficial (Matthias Glasner- Alemania): Victoria Eugenia, domingo 9:30 de la mañana, de nuevo a oscuras. Con bastante interés comienza este relato-denuncia en el que los personajes mantienen un duelo interpretativo excelente. Ella, poli (Corina Harfouch, genial) y el, ni se sabe (Jens Albinus, mantiene el tipo), pero M. Glasner no contento con ello a cada personaje le somete a una particular “tortura”, entrecruza las historias, y parece que la cosa funciona, y las sigue retorciendo, hasta que la cuerda rompe. A veces por si nos hemos dormido nos repite el relato (con las mismas imágenes y el mismo punto de vista), para no pensar. El guión no deja títere con cabeza, ya lo dice el título: amor. Cada uno tiene su propia definición y toma el camino contrario. Quizá nos quería contar sobre el mercado de niños orientales: prostitución y pederastia. ¡Una pena! Aunque se deja ver. Será que somos muy exigentes.
• El árbol Horizontes latinos (Carlos Serrano Azcona- España / México): Ahora Kursaal 2, votan los jóvenes, expectación. En los créditos producen y/o colaboran Carlos Reygadas, Jaime Rosales, Albert Serra, a priori buena pinta. Personaje sin salida, perdido (pero sin buscar solución, dejándose llevar). El director le persigue por la espalda a apenas unos pasos (Claire Denis, utiliza este método transmitiendo “el deseo”, Carlos Serrano “la búsqueda”), tras 30’ continuamos detrás del personaje (al ser sonido directo, a penas se entiende, por lo que recurrimos al subtitulado inglés, pero poco aclara) y se produce una pequeña espantada. Carlos Serrano, presente, lo justifica: “quiero transmitir agobio, desesperación y entiendo que esto aburra” “tabajo sin guión” (¿os suena?). A los valientes nos quedan 40’ de nuca del actor (Bosco Sodi, pintor méxicano en realidad). Esto mismo lo realizó José María Orbe en La línea recta. Casí minuto 70, un puente, un cura y un coro: “Nocturno” de Mozart. FIN. Experimental película que crítica y público condenarán. Lo curioso es que se entiende fácil, pero 70’ excesivos.
• Le refuge (El refugio) Oficial (François Ozon- Francia): Ozon y Mathieu Hippeau, realizan un guión sin fisuras, convencional (¡!), que se deja seguir con comodidad. Con un comienzo impactante que luego se relaja en tierras de Iparralde (Getaria): el refugio. Cruces de personajes y sus pasados, defensa de la homosexualidad (risitas en la sala ¡aún!, claro es domingo) y la amistad. Cierra la historia sin sobresaltos ni sorpresas. O sea, normalita (¡!) que se ve con gusto.
A pesar de la lluvia, el sueño y a algún pesado (de director) ha sido un magnifico fin de semana junto al Urumea. ¡vale la pena sentir el cine!. Actores y actrices, críticos, directores, otros medios y muchos amigos.
Hoy da comienzo el Festival de Cine de San Sebastián y por delante nos queda una semana repleta de cine, personalidades y saraos de lo más variado. No pretendemos llegar a todo, pero para los que no podáis asistir y sintáis curiosidad, o para lo que preferías meditar primero que proyecciones merecen darse un paseíto por Donostia, desde aquí trataremos de ofreceros una pequeña crónica informal del Zinemaldia. Los films más destacados del día, las ruedas de prensa más interesantes, o simplemente el ambiente que se respira en pequeños videos diarios. Del 18 al 26 de Septiembre, aquí mismo, en nuestra Web. Esperamos que os guste.
Un mundo, una semana, un Festival. Bajo este lema se presenta por tercera vez en Bilbao el Manhatan Short Film Festival. El público podrá votar su corto favorito entre los 10 que se proyectarán el próximo viernes 25 de Septiembre en la sede de EITB. Los que queráis asistir poneros en contacto con el Cineclub FAS para conseguir vuestra invitación.
El Cineclub FAS apoya y colabora con el primer Festival de "Cine Invisible, Filme Sozialak", impulsado por la ONGD Kultura, Comunicación y Desarrollo, que se celebrará, entre los días 14 de Septiembre y 8 de Octubre, en los Cine Capitol de Bilbao. Este primer año estará dedicado a la celebración del 50 aniversario del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) y un homenaje póstumo al director de Cine Cubano Humberto Solás. Para acompañar este homenaje acudirán para presentar algunas películas actrices como Mirtha Ibarra, Daisy Granado y Eslinda Nuñez. El certamen contará con otras actividades, entre las que destacan la exposición fotográfica "Cuba mía" de Rodrigo Moya (en la sala Ondare de la Diputación Foral de Bizkaia) y el concierto del músico cubano X Alfonso, en el Kafe Antzokia, el próximo 1 de octubre.
FAS Zineklubak, "Zinema Ikusezina Filme Sozialak" Jaialdiaren lehen edizioaren laguntzaile izango da. Jaialdia, Irailaren 14tik urriaren 8ra bitartean ospatuko da Bilboko Capitol Zinema aretoan, ONGD Kultura, Komunikazio eta Garapenak (KCD) sustatuta. Lehen urte hau, Arte eta Industria Zinematografikoko Institutu Kubatarraren 50. urteurrenaren ospakizunari egongo da eskainita, bai eta hildako Humberto Solás kubatar zinemagileari ere. Omenaldia dela eta, Mirtha Ibarra, Daisy Granado eta Eslinda Nuñez aktoreak izango dira Bilbon pelikuletako batzuk aurkezteko asmoz. Jaialdiaren lehen edizio honetan hainbat jarduera izango dira, adibidez; Rodrigo Moyaren “Cuba mía” argazki erakusketa Bizkaiko Foru Aldundiko Ondare Salan, eta X Alfonso musikagile kubatarren kontzertua Kafe Antzokian, datorren Urriaren 1an.
El Cineclub FAS celebrará el próximo 3 de Noviembre su sesión número 2000 y para festejarlo hemos preparado una sesión muy especial. Podremos disfrutar de una de las primeras películas de las que se tiene noticia se proyectó en los albores del cineclubismo en España, la versión de “Tartufo” dirigida por F. W. Murnau.
Presentará la sesión, Luciano Berriatúa, el mayor especialista en la obra de F. W. Murnau, de quien ha restaurado buena parte de su filmografía.
Nos han pedido que cerremos las Jornadas Bollywood de la FNAC con un coloquio de la última peli que van a proyectar, "Slumdog Millionaire". Nos parece que puede dar bastante juego, que es lo suficientemente interesante y controvertida como para organizar un buen debate. Así que... si os animáis, mañana Martes 21 nada más terminar la peli, sobre las 20:00h.
Además del Miniciclo de Agnès Varda que os comentábamos hace unos días, estamos preparando otras muchas propuestas para el próximo trimestre. Entre ellas, destacan de manera especial las últimas obras de realizadores como Hirokazu Koreeda, Hou Hsiao Hsien y Arnaud Desplechin. Sus películas conforman de una manera casi natural este otro ciclo que os proponemos: "Encuentros y Familia". Pero esto no será todo... Faltan nuestras habituales colaboraciones con Simone de Beauvoir, Guioistas Vascos, Zinebi, diversas ONGs, y otras proyecciones no menos interesantes que hemos seleccionado y que esperamos, os seduzcan a todos. Como no queremos adelantarnos, de momento, y a falta de confirmar fechas, aquí van unos cuantos títulos del ciclo que os mencionábamos. Los trailers podéis verlos aquí.
El Cineclub FAS dedicará en el trimestre Octubre-Diciembre un Miniciclo a la directora Agnès Varda, como ella misma se designa “la abuela de la Nouvelle Vague”. Se proyectarán dos de sus películas más emblemáticas, “Cléo de 5 à 7” y “Jacquot de Nantes”.
Agnès Varda estudió Historia del Arte en el École du Louvre antes de conseguir un trabajo como fotógrafa oficial del Théâtre National Populaire (TNP) de París. Le gustaba la fotografía, pero estaba más interesada en el cine. Después de pasar unos días grabando la pequeña ciudad pesquera francesa de La Pointe Courte (en Sète) para un amigo terminal que no podría visitarla por sí solo, Varda decidió hacer una película. De este modo aparece en 1954 su primera película, “La Pointe Courte”, que narraba la historia de una triste pareja y su relación en la pequeña ciudad. La película es la precursora estilística de la Nouvelle Vague francés.
¡Tenemos buenas noticias! Del 13 al 17 de Julio se desarrollará en Facultad de Bellas Artes de Leioa y coordinado por Patxi Urkijo, el “Taller de cine: Ecos del cine mudo”. Y aquí viene lo bueno. Los socios del FAS podrán asistir gratuitamente a las clases magistrales, que impartirán Kepa Sojo, Enrique Urbizu, Koldo Serra, Nacho Vigalondo, Borja Crespo y Borja Cobeaga. No negareis que es una excusa estupenda para unirse a nosotros....
Por delante queda un largo verano. Pero en este tiempo seguiremos por aquí, con alguna que otra propuesta que se está gestando y con un adelanto de la programación para ir abriendo boca. De momento, el lunes próximo (29 de Junio) preestreno de "Pagafantas" en los cines Capitol de Bilbao. Para que la espera no nos resulte tan larga.
Considerada una de las diez mejores películas de 2007 según Cahiers du Cinema, en “El romance de Astrea y Celadón”, el veterano cineasta francés E. Rohmer, adapta el capítulo central de L’Astrée, una novela pastoril del siglo XVII. En un bosque maravilloso el pastor Celadón y la pastora Astrea se aman con un amor puro. Tan puro como la estática cámara que los encuadra, tan sencillo que deja perplejo al espectador acostumbrado a complicadas tramas a ritmo vertiginoso. Engañada por un pretendiente Astrea rechaza a Celadón, quien, desesperado, se arroja a un río. Ella creerá que está muerto mientras él, fiel a su promesa de no volver a verla, tendrá que superar las pruebas para romper la maldición.
El documental “Aires del desierto” traza una línea a través del tiempo y de la geografía siria, de la mano de sus artistas contemporáneos que nos conducen por sus especialidades y peculiaridades: el folklore de los nómadas beduinos del desierto, la música clásica árabe, moaxajas andalusíes y casidas árabes en Aleppo, canciones de guerra folclóricas de los drusos en Swaida, el canto del muecín...
Concierto Orontes Project: Orontes Proyect es una banda nacida del diálogo intercultural entre oriente y occidente, hermanamiento musical que forma un curioso mestizaje abarcando desde la tradición de Euskadi, pasando por el folklore castellano, temas árabes africanos desde el Magreb a Sudán, el Medio Oriente, llegando hasta Afganistán y sus místicos instrumentos.
¿Cómo hubiera sido tu vida si no hubieses ido a la escuela? Si apenas supieses leer y escribir, si no pudieses multiplicar y dividir… ¿qué oportunidades tendrías? Setenta y dos millones de niños de todo el mundo no van a la escuela, y de ellos, dos terceras partes son niñas. El Festival Internacional de Cortometrajes ACTÚA traspasa fronteras. Las dos primeras ediciones llegaron a Rostock y Berlín, Lima y Addis Abeba. Los cortos ganadores en 2008 se proyectaron en Perú y Mozambique.
Este año la temática del Festival Actúa es el acceso a la educación, un derecho imprescindible para erradicar la pobreza. A lo largo de dos sesiones podremos ver los cortometrajes ganadores de esta edición.
Debería situarse entre las mejores películas del maestro John Ford, aunque los cierto es que “El último hurra” no figura entre sus trabajos más reconocidos. A partir del guión de uno de sus colaboradores habituales, Frank S. Nugent, la cinta se centra en un anciano alcalde de origen irlandés que se presenta una vez más a las elecciones municipales. Frente a él, un nuevo aspirante de poca valía, pero que será encumbrado por las “malas” artes de la publicidad. Ford nos ofrece un espléndido, agudo y muy acertado retrato de la política americana local, sin perder un ápice de actualidad a pesar de los años transcurridos, y con un Spencer Tracy en un papel impregnado de humanidad y saber hacer.
Tras el éxito cosechado con su primer largometraje, “Mamá es boba” (1998), considerado por diversos críticos como una de las películas más originales, arriesgadas e insólitas jamás creadas en España, Santiago Lorenzo rueda “Un buen día lo tiene cualquiera”. La película tiene como protagonista a Arturo, interpretado por Diego Martín, quien a sus 34 años ya lo ha perdido todo. Cuando un antiguo amigo le convence para que se aproveche de un plan social del Ayuntamiento en el que ancianos solitarios acogen en sus casas a estudiantes jóvenes sin recursos por un alquiler ínfimo, Arturo falsifica la solicitud y entra a vivir con un anciano bajo cuya apariencia afable se esconde un auténtico Mr. Hyde.
“La mujer rubia” es la tercera película dirigida por la argentina Lucrecia Martel. Inspirada en sus propias pesadillas, la cinta formó parte de la sección oficial del Festival de Cine de Cannes. El hermético universo personal creado por la cineasta tiene como punto de partida a una mujer rubia, que después de pasar la tarde en la piscina con unas amigas conduce de vuelta a casa y durante este trayecto, golpea a algo o a alguien pero sigue adelante sin reparar en los detalles. La película, que coloca al espectador en un una posición emocional difícil, no pertenece estrictamente al género del terror ni posee elementos declaradamente fantásticos, pero sí que invoca otros fantasmas contemporáneos.
Albert Serra es uno de los cineastas más interesantes del panorama cinematográfico actual. Tras “Honor de cavallería”, en la que ofrecía su particular visión elíptica de “El Quijote”, se aproxima ahora a la figura de los tres Reyes Magos en su búsqueda del Mesías que acaba de nacer. Protagonizada de nuevo por actores no son profesionales y rodada en blanco y negro, la película se presentó en el Festival de Cine de Cannes donde consiguió una significativa repercusión. Se trata de una propuesta radical en la que dejarse subyugar por la puesta en escena y la bellísima composición de sus planos. Cine contemplativo, en definitiva, apartado de los convencionalismos al uso y sin margen a las concesiones.
¿Comunista, extremista anticolonialista, de derechas? ¿Qué convicciones dirigen la moral del abogado Jacques Vergès? Este es el punto de partida de "El abogado del terror", documental dirigido por B. Schroeder con el objetivo de iluminar el misterio tras la figura del defensor de emblemáticos terroristas como aquellos del movimiento independentista argelino. El proceso de elaboración de la película, que consiguió el César del cine francés al mejor documental, se prolongó a lo largo de más de dos años y en ella intervinieron, además de los equipos técnicos, testigos directos como los servicios secretos y la policía política (Stasi) además de diversos expertos en historiografía, periodismo y comunicación.
38 años después de “Belle de jour”, el cineasta centenario Manoel de Oliveira dirige una mirada nostálgica hacia éste clásico dirigido por Buñuel. Y lo hace recuperando a dos de sus personajes protagonistas, Séverine Serizy, que inmortalizó C. Deneuve (y que ahora interpreta Bulle Ogier) y Henri Husson, el amigo del marido que vuelve a estar encarnado por M. Piccoli. Autor del guión original, Oliveira, rinde culto a Buñuel y junta de nuevo a estos dos personajes para enfrentarlos durante una cena, al secreto que sólo él conoce y cuya revelación es imprescindible para ella. El proyecto contó con el apoyo de J.C. Carrière, y Juan Luís y Rafael Buñuel que aceptaron participar el mismo de forma entusiasta.
Buñuel aceptó llevar la novela “Belle de Tour” de J. Kessel a la gran pantalla, con la condición de que se le dejara entera libertad para realizar la adaptación. Y lo consiguió. Ganadora de León de Oro en el Festival de Venecia, la película está protagonizada por Séverine, la burguesa esposa de un médico a quien ama, pero con quien es incapaz de mantener relaciones íntimas. Con una estructura marcadamente simétrica, “Belle de Tour” es sobre todo la historia de una búsqueda, del viaje interior de una mujer masoquista obsesionada por sentirse poseída, deseada. Prohibida en España hasta la muerte de Franco, fue el mayor éxito comercial de Buñuel y supuso su primera colaboración con la actriz C. Deneuve.
“Buscando un beso a medianoche” es una muestra del mejor y más auténtico cine norteamericano actual. Esta comedia romántica, dirigida por Alex Holdridge y realizada al margen de las filiales más indies de los grandes estudios de Hollywood, cuenta con un presupuesto que apenas alcanzó los 25.000 dólares. Trata de Wilson, un desencantado treintañero que conoce a Vivian, una mujer tenaz empeñada en estar con el hombre ideal al sonar las campanadas. Cuenta, además de con una selecta banda sonora, con la magnífica fotografía en b/n de la ciudad de L.A. a cargo de Robert Murphy. Clausuró el Festival de Cine de Gijón 2008 y consiguió el Premio “John Cassavetes” a la mejor película de bajo presupuesto.
